Quedan pocos días, hasta el 9 de enero 2017, para poder ver Marcel Broodthaers. Una retrospectiva, en el Museo Reina Sofía de Madrid; muestra organizada de forma conjunta con el MoMA de Nueva York

La exposición presenta unas trescientas piezas, entre obras y material documental, para mostrar todas las facetas que desarrolló Marcel Broodthaers. Las obras de la más completa antológica del artista que se ha realizado hasta la fecha proceden del MoMA de Nueva York, de la Tate Gallery de Londres, de la National Gallery de Washington, de la National Gallery of Scotland, del MACBA de Barcelona y del Centro Georges Pompidou de París.

La protesta le convirtió en un artista plástico
Marcel Broodthaers (1924 – 1976) comenzó su actividad artística como fotógrafo de prensa y poeta. En 1945 se asoció al Groupe Surréaliste-revolutionnaire, en cuya revista publicó numerosos poemas. El movimiento surrealista influyó en toda su posterior concepción plástica, en cuanto que su obra también escapa a definición alguna, y es totalmente libre de usar cualquier forma y representación en aras del «trastorno poético».

Tras años de dificultades económicas, decidió crear una obra artística con los cincuenta tomos que habían quedado sin vender de su libro de poemas Pense-Bête. Con esta escultura (que no se encuentra en esta exposición) comenzó su actitud transgresora y desafiante en el mundo del arte hasta alcanzar fama internacional en las décadas de los años 60 y 70 con sus representaciones pictóricas, escultóricas y visuales.

La muestra que alberga el Reina Sofía supone un recorrido a través de distintas presentaciones que el artista llevó a cabo a lo largo de su trayectoria, todas elaboradas desde un planteamiento radical frente a los enfoques artísticos tradicionales.

El montaje arranca con L’Entrée de l’exposition (La entrada de la exposición), de 1974, una obra con frondosas palmeras –referencia a los palacios de exposición de las ferias de arte del siglo XIX– que sirve de marco ornamental para una presentación de ediciones y fotografías de Broodthaers. El artista organizó envolventes exposiciones, que denominó décors, en las que mostró ejemplos de su obra anterior, incluyendo nuevos trabajos y objetos prestados.

Pinturas literarias, cáscaras de huevos y mejillones
También se presentan sus primeras obras de arte que dieron forma material a su poesía y sus múltiples representaciones: en sus pinturas literarias, en esculturas y en paredes, como la instalación Salle Blanche (Sala Blanca), en donde el artista reprodujo su vivienda de Bruselas, para hacer flotar en ella, las palabras.

Les Peintures littéraires (las pinturas literarias) las creó a lo largo de los años 1972 y 1973, diseñando varias series, cada una de las cuales están formadas por nueve telas en las que combina palabras y frases con fechas.

En estas obras todos los detalles están escrupulosamente estudiados, desde la tipografía hasta el tipo de impresión conformando una propuesta irónica de Broodthaers al minimalismo y al arte conceptual; al tiempo que estas manifestaciones plásticas en donde la poesía predomina, llevan al extremo las peintures-poèmes de Joan Miró y de René Magritte.

Su obra también generó numerosos símbolos (en donde el humor y la crítica conviven) que reaparecerán a lo largo de su trayectoria: las cáscaras de huevo, los mejillones, las patatas fritas, el carbón, los poemas que envuelven los objetos.

La siguiente sección está formada por obras que estuvieron incluidas en las diversas exposiciones que Marcel Broodthaers realizó en la década de los 60, comenzado con la celebrada en 1964 en la Galerie Saint Laurent de Bruselas, que fue la primera de su carrera artística.

En la exposiciones Court-Circuit (Cortocircuito) y la dedicada al poeta Stéphane Mallarmé, así como en la obra Le Corbeau et le Renard (El cuervo y el zorro), se percibe el giro experimentado a finales de la década de los 60 en la trayectoria de quien tres años antes se había declarado artista.

Mallarmé y Magritte, dos de sus referentes
En 1969, con su exposición dedicada al poeta Stéphane Mallarmé en la Wide White Space Gallery de Amberes, Broodthaers se apropia del poema del escritor Un coup de dés jamais n’abolira le hasard (Una tirada de dados jamás abolirá el azar, 1897), origen del espacio moderno, sustituyendo el texto por líneas y colocando cuatro placas con una pipa en homenaje a la conocida pintura del surrealista Magritte La Trahison des images (Ceci n’est pas une pipe) (La traición de las imágenes [Esto no es una pipa]), de 1929, uniendo al pintor belga con el poeta francés, dos de sus importantes referentes.

Broodthaers colgó durante la inauguración de la exposición la chaqueta negra que se muestra ahora en una percha de madera que llevaba inscrita la frase “Costume d’Igitur”. Personaje de una de las obras anteriores de Mallarmé, Igitur encarna el viaje solitario del poeta a sus profundidades interiores. Explorando los poemas de Mallarmé de tan diferentes maneras (ropas, libros transparentes, placas de aluminio) Broodthaers intentó hacer que la poesía se saliera de la página y entrase en el mundo físico.

En 1968, Broodthaers declaró que ya no era artista y se designó a sí mismo director de su propio museo, el Musée d’Art Moderne, Département des Aigles (Museo de Arte Moderno, Departamento de las Águilas), cuestiona a la institución museística anteponiendo una alternativa revolucionaria. Este Museo, mantuvo a Broodthaers ocupado casi a tiempo completo, durante cuatro años. En ese período, como si fuera una institución itinerante, montó doce presentaciones temporales individuales del museo en siete ciudades de Bélgica, los Países Bajos y Alemania que se dedicaron a distintos periodos, a formas artísticas por lo general mantenidas al margen de las instituciones y coleccionistas, como el arte popular y el cine; a actividades administrativas, como la documentación y la publicidad, y a temas concretos, como el águila o la quiebra del propio museo.

Asimismo, a lo largo del recorrido de la exposición se pueden ver una decena de películas de Marcel Broodthaers quien utilizó su creación fílmica como modalidad de producción y como mecanismo de visualización de los espacios que le interesaban, identificando el medio cinematográfico con “la prolongación del lenguaje”. Prolongación o incapacidad del lenguaje como muestra su película La Pluie (Projet pour un texte) [La lluvia. (Proyecto para un texto)], en el que el artista trata de escribir bajo una fuerte lluvia.